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Virando vermelho: a difícil relação entre pais e filhos

27 de dezembro de 2023 Por maria

Este panda vermelho é do mais recente filme de animação da Pixar – (Virando vermelho). O filme conta a história de uma jovem sino-americana, Mei Lin Li (Mei Mei), que aos 13 anos de idade descobre que se transforma em um panda vermelho quando está emocionalmente excitada e, em seguida, se depara com uma série de problemas. Virando vermelho Esse é um típico filme de animação do tipo “coming-of-age” juvenil, no qual há a história do coming-of-age de um imigrante de segunda geração de descendência chinesa no Canadá, mas os tópicos relacionados ao relacionamento entre pais e filhos, à aceitação de si mesmo e ao gerenciamento emocional ainda repercutem no público. Assista a Virando vermelho no YouCine! No YouCine, você não só pode assistir a filmes e programas de TV, mas também a filmes populares e conversar sobre tópicos de cinema e TV. O Virando Vermelho é seu próprio patrão, mas não pode fazer o que quiser Mei Lin Li, uma menina chinesa de 13 anos, está no segundo ano do ensino médio no Canadá. Ela é uma típica menina de escola asiática, com bom desempenho acadêmico, quase todas as matérias com nota máxima, especialmente matemática, medalhas e certificados para se destacar. Embora não seja uma “socialite” entre seus colegas de classe, sua personalidade autoconfiante e alegre atraiu parceiros que pensam da mesma forma, e ela tem sua própria “irmandade”, o que a faz parecer uma criança apaixonada, animada, extrovertida e cheia de opiniões. Eu tenho minha própria “irmandade”, por isso pareço ser uma criança entusiasmada, animada, extrovertida e cheia de opiniões. As crianças perderão o direito de fazer suas próprias escolhas na vida se ouvirem demais os pais e aceitarem os arranjos deles? A resposta é não. Pelo menos na opinião de Mei Mei, ela tem feito o que gosta e pode tomar decisões por si mesma, mas, ao mesmo tempo, está ciente de que, como menor de idade, sua mãe ainda tem o controle do poder de decisão de muitas coisas. Portanto, na escola, ela será seu verdadeiro eu, sem se importar com os olhos dos outros, sem se importar com os rótulos que lhe são atribuídos, estudando bem, brincando de forma imprudente, perseguindo estrelas com suas irmãs, dançando e espiando homens bonitos. O relacionamento aparentemente harmonioso entre mãe e filha é, na verdade, o resultado dos controles e equilíbrios mútuos entre a mãe absolutamente forte e a filha que reprime seu ego. Esse tipo de relacionamento parece não ser nada demais, mas, na verdade, há muitos perigos ocultos por trás. Quando o conflito atinge o que a criança mais gosta, não é apenas uma questão de ser inteligente. E quando Mei Mei acorda como um panda vermelho, tudo muda para sempre. A mãe gentil e forte versus a boa filha No filme de Virando Vermelho, você pode realmente ver a luta interna de uma criança entre ser obediente e buscar a si mesma diante de sua mãe controladora e perfeccionista. Na frente da mãe, Mei Mei é uma “boa menina”, desde os estudos, a vida até o convívio social com os colegas, ela basicamente não resiste, mesmo que não concorde, ela apenas se opõe silenciosamente em seu coração e, ocasionalmente, quando está com vontade de falar ferozmente com a mãe, ela subconscientemente diz “Me desculpe” primeiro. Sinto muito”. No entanto, esse tipo de “em nome do amor”, “para o seu próprio bem”, preocupação e proteção excessivas, para a criança é realmente apropriado… Virando vermelho na segunda metade do filme, a atitude de Mei Mei em relação à mudança de sua mãe, talvez possa nos dar um alerta para os pais. A segunda metade do filme Virando vermelho mostra uma mudança na atitude de Meimei em relação à sua mãe. Meimei não consegue aceitar o fato de ter se transformado em um panda vermelho e fica agitada. Sua mãe, confundindo o início da puberdade com o início da puberdade, teme que ela não se encaixe, por isso a segue secretamente até a escola e se esconde debaixo da árvore do lado de fora da sala de aula para monitorar cada movimento da filha. Por fim, seu comportamento foi exposto e ela foi descoberta por seus colegas de classe, que a provocaram por ser uma “menina da mamãe”, fazendo com que ela se sentisse envergonhada e fora de controle. Mais tarde, sua mãe recusou seu pedido para ir ao show por medo de que ela liberasse os pandas em seu corpo devido ao seu estado emocional, mas também comentou sobre seu gosto musical, dizendo que as músicas de seu cantor favorito eram “um lixo”. Esse tipo de rejeição é um grande golpe para uma criança adolescente. Quando a decisão de Mei Mei de economizar dinheiro para um show com suas irmãs fabricando e vendendo periféricos de panda é revelada, sua mãe acusa seus amigos de prejudicá-la, o que não apenas magoa seus amigos, mas também destrói suas amizades. Interferir na socialização de uma criança e pedir que ela não ande com pessoas que não são boas na escola é, sem dúvida, sufocante para ela. Para Meimei, em particular, o amor de seus amigos era a chave para suprimir o “monstrinho” em seu corpo e um agente calmante para suas emoções, o que era muito importante. Mesmo depois de tudo isso, Mai não tem a intenção de romper com a mãe, mas ainda tem medo de decepcioná-la e se arrepende profundamente porque sabe que “todas as esperanças e sonhos de sua mãe estão depositados em mim”. Que criança muito compreensiva. Mas, para os pais, precisamos pensar: queremos criar um filho que seja obediente e tire boas notas ou um filho que possa ser fiel a si mesmo? Que abrace o seu eu e conviva com seu “mau comportamento”? O vermelho tem vários significados aqui, o mais superficial deles é que a personagem principal, Mei Mei, se transformou em um panda vermelho, que também pode ser usado como metáfora para a primeira onda de amor adolescente de uma garota, sua … Ler mais

Dog Man Contar histórias de pessoas boas com cães

25 de dezembro de 2023 Por maria

Depois de ouvir o título de “Dog Man” e ler parte do enredo, pensei imediatamente: “Esse não é um filme de “bela cura”, é? Assista ao filme Dog Man no YouCine! O YouCine tem uma enorme biblioteca de conteúdo que abrange uma grande variedade de filmes, programas de TV, eventos esportivos, documentários, programas infantis e muito mais. Afinal, no passado, muitas obras baseadas no tema dos animais estavam acostumadas à criação de um modelo. A fórmula provavelmente é um protagonista “cobra”, que é inadvertidamente curado por um “cachorro fofo”, e depois colhe as recompensas de ser tocado e se torna bem-sucedido. Entretanto, depois de clicar no trailer de Dog Man, descobri que, em vez de usar filtros ensolarados para acentuar a fofura do cão, como nos “filmes de animais fofos”, o filme mostra ao público o lado feroz do animal. O cão feroz de Dog Man salta e morde no ar, cheio de poder Além das cenas com cães, o trailer também é rico em elementos “humanos”, incluindo, mas não se limitando a, violência doméstica, interrogatório policial e tiroteios entre gangues. Aqui, os cães não parecem fofos, mas sibilam com as presas à mostra! A sobreposição dos elementos mencionados acima torna Peach muito empolgante. Afinal de contas, em uma época em que as criações estereotipadas estão por toda parte, estou mais interessado em ver algo inesperado. Dito isso, é importante mencionar que Dog Man sai da trilha batida: O filme usa o cão para construir uma história humana intrinsecamente entrelaçada e estranhamente familiar. Em poucas palavras, Dog Man apresenta dois núcleos – “auto-redenção” e “auto-descoberta” – por meio da representação da dura realidade. Na história, o protagonista Douglas não é um personagem medíocre típico da peça, porque ele é cheio de “complexidade”. Quando criança, Douglas foi aleijado por seu pai brutal e seu irmão mais velho, que o jogaram em uma jaula de cachorro por simpatizar com os cães de briga da família. A estrutura familiar deformada e o ambiente cruel convenceram Douglas de que os cães eram mais confiáveis do que as pessoas. Mas, como dizem os sábios, a natureza do homem é a soma das relações sociais. Depois de fugir de sua família, Douglas também pensou em se integrar à sociedade, reconstituir sua personalidade e se defender sozinho. Entretanto, a tortura da realidade fez com que ele batesse na parede várias vezes. Um golpe para a sociedade civilizada? Os sucessivos contratempos abalaram o pilar espiritual e o local de existência de Douglas. Assim, ele optou por se esconder da civilização “disfarçando-se”, deixando para trás as marcas civilizadas do homem e voltando-se para o sobrevivencialismo da “matilha de cães”. E com o poder dos cães, ele se tornou o famoso “deus cão” da vizinhança. A diferença entre um deus e um homem é que o primeiro cria a ordem e o segundo a segue. Mas a contradição entre ordem e ordem arrasta Douglas para um abismo perigoso. …… Essa história parece semelhante a muitos sucessos de bilheteria comerciais com “anti-herói” e “protagonista que desmaia”. Mas é preciso dizer que a engenhosidade da peça é transformar o “mundano” em “surpresa”. E essa engenhosidade vem do “cachorro” como o simbolismo do filme. O cachorro é uma grande obra de arte Como eu disse anteriormente, Douglas, o protagonista, foi abusado quando criança e está no meio termo entre o homem e o cachorro: ele não tem a dignidade que pertence a um homem, mas aprecia as virtudes de um cachorro. Mais tarde, sua experiência completa uma mudança quantitativa no acúmulo de eventos, e sua imagem de caráter também passa por uma mudança qualitativa. Nesse contexto, então, um dos papéis dos cães é preencher as lacunas na visão de mundo de Douglas. O chamado “deus cão” é mais como um “produto razoável” formado pelo protagonista, que é um “ser humano”, combinando as qualidades dos cães. O simbolismo do “cão” também corresponde aos três estágios da mudança cognitiva do protagonista. No estágio inicial, o protagonista não consegue encontrar um lugar para si na sociedade humana, e os cães se tornam a única existência que o aceita. Nesse processo, os cães simbolizam um tipo de reconhecimento do mundo exterior, um substituto para a família. Mais tarde, o protagonista encontra muitos obstáculos na sociedade humana, mas os cães sabem como sobreviver em solidariedade. Nessa relação “simbiótica” com o cão, o protagonista ganha o poder de recuperar sua dignidade, e o cão se torna Deus, um símbolo de poder. O estágio final parece ser o mais pacífico, mas também é o mais doloroso. Naturalmente, é também aquele sobre o qual Tao gostaria de falar menos e recomendar a todos que vejam com seus próprios olhos. Na realidade, os humanos e os cães podem se aceitar mutuamente, mas, afinal, não são da mesma espécie. E, em um diálogo com um criador de perfis que também carrega traumas, o protagonista opta por fazer confidências. Nesse momento, o cão se torna uma ponte de compreensão e o herói se aproxima da redenção final. (Mais uma vez, dica, o enredo é brilhante, você precisa ver por si mesmo) O simbolismo não é apresentado de uma forma dogmática e “fada”. Em vez disso, eles são construídos por meio de emoções como dor e perda. É por isso que o diretor Luc deu grande importância à expressão das emoções na criação de Dog Man. Ele disse certa vez que, embora as pessoas saibam que o filme é fictício, elas ainda querem extrair algum tipo de verdade da história. Portanto, ele queria tornar esse filme Dog Man o mais honesto possível. Ele quer que o público sinta a dor pela qual o protagonista passa e as ações que ele toma. O diretor Luc Besson acrescenta que o personagem principal, Douglas, é emocionalmente carregado e sensível Por que o diretor Luc escolheu fazer um filme como Dog Man?

O Grande Hotel Budapeste: Conto de fadas distópico, teto estético

18 de novembro de 2023 Por maria

O Grande Hotel Budapeste é o oitavo filme escrito e dirigido pelo diretor americano Wes Anderson. O filme conta a lenda de um famoso zelador de um grande hotel europeu durante a guerra e a história de sua amizade com um jovem funcionário que mais tarde se torna seu protegido de maior confiança. A lenda do zelador liga um ladrão a uma pintura renascentista, a batalha de uma família pela riqueza e uma guerra repentina que muda toda a Europa. O filme ganhou os prêmios de Melhor Figurino e Melhor Direção de Arte no 87º Oscar. Quando se trata do software YouCine, ele é a plataforma definitiva para você assistir a uma grande variedade de filmes e programas de TV. Ele oferece recomendações personalizadas, downloads off-line e muito mais para facilitar a localização e a exibição do seu conteúdo favorito. Além disso, o YouCine está disponível em várias plataformas para proporcionar a você a melhor experiência de entretenimento. Registre-se agora e descubra mais! Programação inteligente de câmera O filme O Grande Hotel Budapeste usa lentes de curta distância focal várias vezes para capturar espaços como o Grande Hotel Budapeste e a mansão da Condessa. As lentes de curta distância focal são caracterizadas por uma maior profundidade de campo em termos de imagem e são frequentemente usadas para mostrar um campo de visão mais amplo. Portanto, um dos objetivos do uso de lentes de foco curto no filme é moldar melhor o momento extraordinário do espaço da imagem. Além do uso de lentes de distância focal curta, o filme também usa muitas lentes panorâmicas para apresentar pessoas, coisas e objetos. Por exemplo, quando o filme conta a história da década de 1930, a primeira aparição de Gustave e sua caminhada em direção à casa a partir da varanda do hotel é mostrada pelo uso de uma tomada panorâmica. Além disso, depois de se despedir da Condessa em frente ao hotel, Gustave conhece o jovem porteiro, Wu, e os dois se movem da porta do hotel usando uma tomada panorâmica, que entrelaça os personagens e o cenário do filme em ação. O público pode ver mais e mais do cenário por meio dessas tomadas, seguindo os movimentos dos personagens. Os movimentos dos personagens nesse tipo de movimento de câmera são muito suaves e coerentes. Dessa forma, a imagem do gerente do hotel, que é confiante e imperturbável, e a do carregador, que é novo na cidade e é cauteloso, são apresentadas de forma vívida e simultânea. É fácil perceber que o movimento da câmera desempenha um papel muito importante na caracterização. A estrutura narrativa única de O Grande Hotel Budapeste O Grande Hotel Budapeste também é único em sua estrutura narrativa em ziguezague. Há quatro camadas no filme, e essa estrutura narrativa em camadas é o design mais exclusivo de O Grande Hotel Budapeste. No início do filme, uma garota entra no antigo cemitério de Ruiz com um livro na mão e vira o livro para a contracapa para revelar a foto do autor, que é a primeira camada da estrutura narrativa. Imediatamente após isso, a cena muda para 1985, e o escritor idoso senta-se atrás de uma mesa, de frente para a câmera, contando e relembrando a história de sua juventude, que é a segunda camada da estrutura narrativa. O segundo nível da estrutura narrativa é o jovem escritor ouvindo o idoso no Grand Hotel em Budapeste, em 1968. Em seguida, chega-se a 1932, e a história da década de 1930 é a parte da história que o diretor quer enfocar para o público, que é a quarta e última camada da estrutura narrativa. Quando a história da década de 1930 chega ao fim, o jovem Sr. e Sra. No e Gustave estão em um trem viajando para Lutz, o fim da vida de Gustave. A cena volta para os anos 1960, quando o jovem escritor se senta no restaurante de um hotel e conversa com o Sr. e a Sra. No. Ao final da conversa, o jovem escritor se senta em um sofá e a cena volta para os anos 1980. Após a conversa, o jovem escritor se senta no sofá e a cena volta para a década de 1980, quando o escritor mais velho se senta no sofá e o antigo cemitério de Ruiz, onde a garota se senta em um banco e lê um livro, aparece no início do filme. Essa estrutura narrativa como um todo parece ser como a palavra “back”, que não está apenas puxando o casulo para dentro, mas também restaurando e reaparecendo do lado de fora. Essa estrutura narrativa aninhada não é apenas harmoniosa, mas também organizada e extremamente bonita. Composição equilibrada e simétrica O uso de composições equilibradas e simétricas por Wes Anderson é o mais representativo de seus filmes. Entre esses princípios de composição, o conceito de harmonia e equilíbrio não é apenas o mais básico, mas também o mais importante. O uso desse princípio em O Grande Hotel Budapeste, de Wes Anderson, atinge seu auge, formando a beleza equilibrada única das imagens do diretor. No início do filme, há composições simétricas, como a aparência do antigo cemitério de Ruiz, a escultura do memorial do escritor na neve, a menina na neve com um livro na mão, o escritor idoso contando uma história etc., e depois que o escritor entra em suas memórias, o Grande Hotel Budapeste aparece na recepção do hotel, nos banheiros, na sala de jantar, na escada etc. …… Essas composições equilibradas aparecem intermitentemente até o final do filme. Visualmente, essas composições simétricas podem fazer com que as pessoas se sintam muito arrumadas e coordenadas, e essas composições arrumadas e coordenadas aparecem em grande número nesse filme, o que faz com que o filme inteiro dê ao público um senso de estética harmonioso e equilibrado. Além de um grande número de composições de imagem equilibradas, há também um design exclusivo no filme. “O Grande Hotel Budapeste” lembra o público por meio da legenda no início do filme: “Please … Ler mais

“Trem-bala” quebra a fórmula típica de filme de ação

16 de novembro de 2023 Por maria

O filme “Trem-bala” é uma adaptação do romance “Ladybird” (versão chinesa de “Hayate”) do imaginativo escritor japonês Kotaro Isaka. A obra original é um romance de mistério em ritmo acelerado com um forte senso visual. O filme é baseado na obra original., se desenrola quando o assassino “Joaninha” realiza a tarefa de roubar uma caixa do trem. Ao se envolver acidentalmente em uma série de vinganças, e após uma batalha de inteligência e coragem, ele não apenas descobre a verdade do assunto, mas também aprende sobre si mesmo. Destino e sorte têm uma nova definição. O romance explora mais questões sociais, enquanto o filme enfatiza constantemente o pensamento ampliado sobre destino e sorte, que é filosófico bastante oriental. O onipresente humor negro do trem-bala Baixe o aplicativo Youcine para assistir filmes mais interessantes. Na verdade, a apresentação da obra original é bastante estilo anime e é bastante difícil adaptá-la à ação ao vivo. Com base nisso, “Bullet Train” usa uma estética de publicidade comercial altamente saturada, um estilo de expressão semelhante a uma animação e Enredo bizarro de reversão e reversão no estilo Quentin. O design constrói o novo humor negro do filme. Por exemplo, os irmãos assassinos Mikan e Lemon passaram cinco minutos discutindo se mataram 16 ou 17 pessoas na Bolívia. À medida que os dois homens narravam, a tela começou a retroceder e intercalar memórias. Enquanto a reprodução em câmera lenta mostrava ao público a cena do assassinato onde os dois usaram vários métodos para matar o alvo com um só golpe; enquanto quebravam a quarta parede, deixavam o público. duas pessoas estão contando para o público na imagem: “Esta é a primeira pessoa a morrer.” A imagem usa animação para tornar o assassinato mais engraçado. Com a trilha sonora descontraída e exagerada, não pode deixar de fazer as pessoas rirem. Outro exemplo é a conversa entre o protagonista masculino “Joaninha” e o assassino “Lemon” em um carro silencioso. Ladybug disse para Lemon: “Ei, irmão, me escute, tem uma arma apontada para você embaixo da mesa.” A câmera virou para Lemon que não se importou e disse calmamente: “Não consigo ouvir, isso é um carro silencioso.” Era para ser uma situação tensa de matança mútua, mas apenas duas frases deixaram a trama cheia de alegria. Mais tarde, quando os dois brigavam, o passageiro do banco da frente frequentemente se virava para lembrá-los de que se tratava de um “carro silencioso”, o que facilmente aumentava todo o nível de alegria, fazendo com que o público inexplicavelmente se afastasse da trama tensa. Ria conscientemente. Em termos de personagens, quase todos têm sua própria história e história, e o filme apresenta isso por meio de flashbacks narrativos em ritmo acelerado. O personagem “Lemon” em Gemini Man tem um toque muito cômico. Ele gosta muito de “Thomas the Tank Engine”. Ele não apenas cita frequentemente linhas filosóficas dele, mas também carrega adesivos de personagens com ele para usar características do personagem para dar traços de personalidade a estranhos que ele conhece.Definição, e o adesivo “Disso” neste filme também se tornou a chave para ele ajudar seu parceiro Citrus a decifrar o verdadeiro culpado nos bastidores. Nesta base As reviravoltas nos filmes do Trem-bala são sempre apresentadas de uma forma absurda, o que é engraçado e hilário. Além dos personagens e do enredo, há também muitos elementos inesperados de desenho animado no filme. Desenhos de toupeiras, Thomas the Tank Engine, cobras de árvores africanas, etc. Os elementos de comédia humorística e bizarra incorporados ao filme incluem o pensamento inovador da concepção do filme, as paródias e cenários da obra original japonesa e muitos elementos bidimensionais japoneses. Juntos, eles constituem o tom do filme. Filosofia Oriental Reservada Talvez baseado na adaptação da obra original japonesa, “Trem-bala” capta e enfatiza constantemente os conceitos e significados de destino e sorte, e há muitas metáforas nas falas dos personagens. O personagem que deu origem a tudo na história – a Morte Branca: “Nada na vida acontece por acaso.” Ele não entrou no carro por azar. Ele escapou do acidente de carro por sorte, mas perdeu a esposa porque de azar. Isto está exatamente de acordo com o encanto oriental único do valor de “boa sorte e infortúnio dependem um do outro”. É difícil para o público imaginar que a Morte Branca enviou um assassino para matar seu filho porque seu filho causou a morte de sua esposa. Mas a filha com quem ele não se importava tornou-se o fator chave que acabou com sua vida. Este é o destino. Ele até percebeu que se você não controlar seu destino, o destino controlará você. Depois que a história terminou, Ladybug, que estava envolta em “má sorte”, suspirou: “Pode depender de como olhamos para isso. Por exemplo, talvez não haja boa sorte ou sorte, talvez sejamos todos apenas agentes do destino … Que tal saber que isso é uma coisa ruim?… Veja as coisas de uma perspectiva diferente.” Além da energia filosófica contida nas falas, independente do conteúdo da história, do ponto de partida ao fim de um trem em alta velocidade, sempre tem gente entrando e saindo do trem, sempre tem gente chegando no final , e sempre há novos números de trem abrindo… Isso por si só tem características próprias O significado filosófico dos loops infinitos. Ao longo de todo o filme, “Trem-Bala” é um filme de ação atípico e com um estilo muito forte, absurdo, desenfreado e interessante. Diferente dos filmes narrativos comuns de Hollywood ou dos filmes de ação e suspense, integra uma variedade de elementos e leva adequadamente o conceito criativo e o entretenimento ao extremo dentro de um espaço limitado. Demonstrou grande sinceridade para o público e tem visibilidade.

Up: Sobre amor e coragem

15 de novembro de 2023 Por maria

Up é um filme sobre um homem idoso que combinou com sua parceira de viajar para uma cachoeira localizada na longínqua América do Sul, mas que, devido à agenda lotada da vida, não conseguiu fazer a viagem, até que o governo demoliu sua antiga casa e decidiu juntar a casa para voar até a cachoeira e, no caminho, viver aventuras com o menino gordo que conheceu, Russell. O YouCine é uma plataforma abrangente de streaming de vídeo on-line que oferece aos espectadores uma grande variedade de filmes e programas de TV, além de recursos como interação social e recomendações personalizadas para aprimorar a experiência de entretenimento do usuário. Introduções informativas de fundo A introdução do pano de fundo de uma história é uma parte essencial de um filme, mas se a introdução do pano de fundo for muito longa, ela pode espremer a história principal e afetar a experiência geral de visualização. Então, como o filme Up lida com a introdução do pano de fundo? Up é um filme que gasta apenas dez minutos para fazer uma introdução completa ao plano de fundo, e o faz de uma maneira peculiar. Grandes partes dessa seção são imagens sem diálogos. Essas imagens contêm uma enorme quantidade de informações, portanto, mesmo sendo curtas, é tempo suficiente para que o espectador construa todo o pano de fundo da história por conta própria. Isso está muito alinhado com nossos padrões de memória; nossas memórias não constroem todos os detalhes de uma história, mas se lembram de certas imagens dessa história e confiam em nossa imaginação para preencher o restante. Esse tipo de narração em espaço em branco tem duas vantagens: em primeiro lugar, economiza muito tempo e, em segundo lugar, também deixa espaço para o público imaginar livremente. Supondo que o filme de Up não apresente o pano de fundo da história dessa forma, mas narre essa parte da história em detalhes, estendendo-a e enriquecendo-a, há uma grande probabilidade de que ele seja um fracasso, mesmo que a história por trás dele seja maravilhosa. Isso ocorre porque o pano de fundo dessa história e os temas que se seguem são, na verdade, dois estilos diferentes. O pano de fundo é realista, enquanto a aventura posterior é tingida de magia; o pano de fundo incorpora a doçura do amor e a desesperança da vida, enquanto a aventura posterior é sobre sonhos e vida. Se essas duas partes tivessem proporções iguais de tempo, os temas não ficariam claros, o que causaria muita angústia ao espectador e tornaria banal o excelente tema do filme. Em vez disso, o filme Up abre de tal forma que os elementos com os quais ele se choca mais tarde ficam ocultos por trás de imagens sem palavras, dando ao filme inteiro uma cor consistente. Escolhas de personagens fora do comum Em um filme de animação tão inspirador e voltado para crianças, ter um idoso como personagem principal é um grande avanço e desafio. Acho que o motivo pelo qual a Pixar escolheu um idoso como protagonista ainda deve se dever ao tema em si, afinal, essa é uma história sobre o sonho de um adolescente, que o realiza na velhice, portanto, o idoso é definitivamente o protagonista do filme. Mas, em um filme de um homem idoso, como mostrar o espírito, as cores vivas e jovens, de modo que crianças e adolescentes possam aceitar, esse é o grande desafio da Pixar. Em primeiro lugar, muitos elementos especiais foram usados na representação do idoso, como a imagem quadrada de Carl, a cabeça quadrada, os dedos quadrados, mas ele também tem um nariz particularmente grande e redondo e sua bengala especial que nunca sai de seu corpo. Juntos, esses recursos tornam a imagem de Carl mais completa, mais animada e mais memorável. Em segundo lugar, o filme Up usa uma criança de oito anos de idade para amenizar a imagem sombria, teimosa e melancólica de Carl, o que faz com que o tom de todo o filme pareça mais alegre. Seguindo em frente em meio ao conflito e superando-o Em conflito consigo mesmo, a jornada do velho em busca de seu sonho é, na verdade, a jornada do herói. A chamada jornada do herói se refere ao fato de que o protagonista primeiro tem um objetivo e, em seguida, supera muitas dificuldades para perseguir esse objetivo, mas, por causa de algo que acontece, sua percepção muda, resultando na mudança do objetivo também e, por fim, ele atinge a perfeição individual. A mudança de atitude do velho em relação ao menino, bem como a mudança de atitude em relação ao grande pássaro, são, na verdade, sua própria transformação, e ele encontra o amor e o sentido da vida nessa jornada, que é a parte mais tocante do filme e a parte em que o tema do filme é sublimado. Além do personagem principal, Carl, o vilão também passa por um processo de transformação. No início do filme, o vilão é, na verdade, um explorador apaixonado e idealista, mas como sua descoberta não é reconhecida, ele desenvolve uma obsessão e, para provar que está certo, ele se transforma em uma pessoa egoísta, cruel e fria. Os vilões geralmente têm uma humanidade mais profunda, sobre a qual vale a pena refletir. O conflito entre os mocinhos e os bandidos é uma parte importante de quase todas as histórias. Carl e Russell querem proteger o Big Bird, enquanto o vilão quer pegá-lo. O confronto e o conflito entre os dois têm o efeito de conduzir a história para criar tensão. Ao mesmo tempo, há um conflito entre o velho e a criança, que têm idades, objetivos e valores diferentes. Sem o velho, esse filme Up perderia sua profunda contagiosidade e a falta de penetração na realidade; sem a criança, o filme seria um tanto entediante e sem reviravoltas. É por isso que ambos são indispensáveis, e o conflito entre os dois permite que a história se desenvolva e, ao mesmo tempo, cria muitos pontos interessantes na história. … Ler mais

Quiz Lady: Sisters of Discontent

13 de novembro de 2023 Por maria

Quando assisti a Quiz Lady pela primeira vez, sabia que o filme seria muito engraçado ao ver a dupla Sandra Oh e Okafina, pois ambas são atrizes cômicas fortes, e vê-las juntas no mesmo quadro dessa vez realmente fez com que a química de todo o filme fosse boa o suficiente! As interações são engraçadas e naturais, mas podem ser genuinamente tocantes e afetuosas. Honestamente. O enredo de “Quiz Lady” é muito simples e também é uma história piegas em que você pode adivinhar o enredo, mas o sucesso desse filme está nas risadas e na combinação das duas protagonistas femininas, o que certamente repercutirá em qualquer pessoa que tenha uma irmã mais velha ou mais nova. É um caso de brigas desde a infância até a idade adulta e de desprezo mútuo, mas, quando confrontadas com uma situação difícil, a irmã mais velha sempre se torna a heroína da irmã mais nova! Quiz Lady explora de forma inteligente as nuances do “trauma familiar” de uma maneira vibrante e sincera e, apesar da história pesada, a Rainha do Senso Comum permite que as duas heroínas digiram tudo de forma cômica, resgatando seus corações e terminando em um abraço caloroso como esse. No geral, Quiz Lady traz essa vibração alegre para o público muito bem, as risadas são bem enterradas, relativamente poucas risadas que o público asiático não consegue captar, a maioria das risadas é compreensível e superficial, e também tem o significado de abrir caminho para as emoções de ambas. Se você se interessar pelo filme, é bom assisti-lo e, embora o espectador não obtenha grandes percepções filosóficas do enredo, vale a pena assistir a alguns dos vínculos e irmandades mais diretos, e então prepare-se para rir do começo ao fim! O Quiz Lady está disponível no Youcine. Baixe a plataforma de streaming do Youcine. Quiz Lady: uma exploração espirituosa do trauma da infância. Quiz Lady é simples e não vai muito longe em seu enredo, mas há também o conceito central principal de “trauma de infância”, que entrelaça perfeitamente um enredo cômico com “mágoa” e leva o espectador através das complexidades de como os irmãos podem superar o trauma sem culpar uns aos outros por isso. Em “Quiz Lady”, as personalidades de Annie e Jenny são muito diferentes, fazendo com que o público saiba, desde o início do programa, que as duas estão completamente em desacordo com os valores e estilos de vida uma da outra. A história de fundo de “Quiz Lady” sobre “trauma de infância” é em flashback, não saberemos a extensão total do grande golpe da infância para as duas até a metade do episódio. Pela vida aparentemente louca e normal das duas, não saberemos imediatamente que elas têm um grande buraco no coração que precisa ser consertado, e a forma de “não crescer de jeito nenhum” retrata que as duas sempre estiveram presas ao passado e não conseguem sair dele. Em vez disso, a abordagem “not growing up at all” é usada para retratar o fenômeno de esses dois estarem presos ao passado, especialmente quando começam a discutir e a criticar um ao outro quando se encontram, e o tema da conversa sempre permanece no passado, a parte mais desagradável da infância deles. O diretor escreve que cada uma delas usa maneiras diferentes para evitar o trauma, como Annie, que faz o possível para se tornar “invisível”, não se permitindo cometer erros e perder a face na vida, e Jenny, que busca os holofotes com o mesmo caráter exuberante para encobrir sua própria vida insatisfeita e escapar da disfuncionalidade da família. Portanto, a fuga e a ausência da mãe foram o ponto de partida do trauma, mas também uma oportunidade para as duas consertarem seus traumas. Assistir a Quiz Lady é um filme que sempre me faz sentir que a irmã mais velha sempre será a segunda mãe da família, e adoro como The Queen of Common Sense aborda o trauma da infância em um tom incrivelmente honesto, realista e simpático, com a autoconfiança insegura de Anne e o fato de Jenny não ter medo de lutar pelo que quer sem medo de perder a dignidade. A Quiz Lady projetou a viagem de carro pela Filadélfia para se relacionar sutilmente com os laços familiares. O diretor se esforça ao máximo para não sobrecarregar a história de traumas de infância, de modo que as loucuras que acontecem com as meninas ao longo do caminho e a interação entre elas quando começam a “contar a verdade” gradualmente abrem caminho para a reconciliação e o perdão. Quiz Lady: Independentemente de ganharmos ou perdermos, enfrentamos o problema juntos. A narrativa de Quiz Lady é muito leve, graças às habilidades de atuação de Okafina e Sandra Oh. Gosto muito do design da história de Quiz Lady, que permite que as duas irmãs se vejam com personalidades muito diferentes. Não sei se alguém que tem uma irmã pode se identificar com o amor invisível entre duas irmãs que brigam desde a infância, que se olham com desagrado e que ainda assim colocam uma à outra no coração quando precisam de ajuda. Não sei se alguém que tem irmãs pode se identificar com esse tipo de amor intangível. É como o amor de Jenny por Annie, a expressão de desamparo da conservadora Annie toda vez que ela vê as travessuras selvagens de Jenny e quer revirar os olhos, a expressão de desamparo de Annie é realmente hilária, a expressão de Okafina sempre trará seu próprio senso de comédia, e aquela voz um pouco esfumaçada, realmente combina com a irmã mais nova que está revirando os olhos o tempo todo. E Sandra Oh está claramente se divertindo muito em Quiz Lady, um filme em que Sandra Oh realmente usa “membros exagerados” para acrescentar muitos pontos à comédia espirituosa! Com o trauma que Jenny sentiu ao crescer e deixar Annie ainda jovem, Sandra Oh sutilmente injeta alguma complexidade na personagem de Jenny em termos da “mágoa que sentia por Annie” e do “amor … Ler mais

Interstellar: O tempo não pode voltar atrás

12 de novembro de 2023 Por maria

O filme Interstellar, de Nolan, de 2014, foi uma verdadeira sensação mundial de ficção científica pesada. A diferença entre Interstellar e Rescue from Mars e Space Travellers, que desde então se esforçaram para imitar o filme, é muito evidente, apesar da sensação de isolamento cósmico criada pelo enredo tenso e pelo cenário especial. O Youcine é um aplicativo que redefiniu a experiência de ir ao cinema, oferecendo opções mais interativas, sociais e personalizadas para os amantes de filmes. Seja você um novato em cinema ou um fã experiente, o Youcine é um companheiro indispensável que o leva ao incrível mundo do cinema. Já foi dito que Interstellar não se qualifica como um filme de ficção científica puro e duro. O que torna um filme espacial especial é sua capacidade de romper com as perspectivas éticas e, em vez disso, recapturar a sociedade humana a partir de dimensões transcendentes (cosmologia, religião). O esforço de Nolan, por outro lado, está mais próximo de elevar os valores humanos com um ponto cego fora da física. O que torna Interstellar diferente (e melhor) do que filmes posteriores, como Rescue from Mars e The Space Traveller, e até mesmo o filme anterior do próprio Nolan, Fragments of a Memory, é que, enquanto todos os filmes espaciais do gênero se esforçam para apresentar uma ficção científica pesada e criar uma sensação de solidão no espaço, Nolan sobrecarregou sua história com preocupações humanísticas – – No filme, Cooper (Cooper) e sua esposa, Cooper (Cooper), são vistos sob uma luz diferente. -O vínculo de pai e filha entre Cooper (Cooper, Matthew McConaughey) e Murph (Murph, Jessica Chastain) está presente em quase todo o filme Interstellar, além de ser um importante fio emocional que conduz toda a narrativa. Por um lado, há uma aventura espacial e, por outro, há um drama emocional completo. Não importa o quão difícil seja a ficção científica: buracos de minhoca, buracos negros, aventuras espaciais, espaço multidimensional …… o núcleo ainda é o afeto e o amor. A ciência e a teoria estão de fato a serviço dos sentimentos, com uma casca muito dura envolta nas emoções mais suaves. Também por isso, não será um filme de ficção científica sério e grandioso como 2001 Uma Odisseia no Espaço, mas com sentimentos mais plenos. A parte de Interstellar que mais me toca é a profunda solidão que os seres humanos sentem quando estão flutuando no espaço. O mundo silencioso, os pensamentos fragmentados da família e, especialmente, a despedida de Cooper de sua filha e as cenas em que ele chora de dor enquanto assiste aos vídeos dela são quase de encher os olhos de lágrimas. Amor, através do tempo e do espaço Quando Cooper voa para o buraco negro e cai na quinta dimensão, o filme inteiro de Interstellar também chega ao seu clímax. No espaço quadridimensional, Cooper finalmente entende que o que o trouxe até aqui não foram os chamados “seres quadridimensionais” desconhecidos, mas exatamente eles mesmos. Quando o Robô TARS pergunta: “Tentei de tudo, mas não consigo tirar os dados do buraco negro, então como você pode dizer ao Murph? Cooper responde com certeza: “Tudo isso está no quarto de uma garotinha, a todo momento, extremamente complexo, eles têm quase todo o tempo e o espaço, mas não estão ligados, não conseguem encontrar um lugar específico no tempo, não conseguem se comunicar, é por isso que estou aqui …… “ “Vou encontrar uma maneira de contar ao Murph, assim como encontrei este momento.” Talvez até mesmo um robô superinteligente como Tas ainda não conseguisse entender o que Cooper estava sentindo naquele momento, Tas ouviu em silêncio a expressão quase excitada e demente de Cooper e perguntou: “Como? Cooper”. “Amor! Tas, é amor! Como Brand disse, a troca entre Murphy e eu é quantificável, e essa é a chave.” As únicas coisas que podem existir em um buraco negro são a gravidade e o tempo, mas Cooper entende no último momento (e também permite que o público entenda) que há outra substância igualmente capaz de existir nessa escuridão infinita – que é o amor, e seu amor por Murphy e seu apego a Murphy transcendem o tempo e o espaço. E esse efeito de superdistância, nenhuma teoria da mecânica quântica e da relatividade pode explicar, na distância de quase dezenas de milhões de anos-luz entre os dois lugares, dois corações estão firmemente conectados um ao outro, um ao outro, um ao outro, tanto que apenas o ponteiro dos segundos do relógio treme levemente, Murphy ainda consegue entender – esse é o pai dele se comunicando com ela. E é o amor de Cooper por sua filha que impulsiona esse ciclo de causa e efeito, ecoando a história do começo ao fim; e, em uma reviravolta, Nolan e Matthew (Cooper), que também são pais, indo e voltando entre a luz e a sombra, usam essa história para direcionar e representar seus sentimentos pelos filhos e pela família –Esse “amor” também é a maior carta emocional do filme, sublimando todo o filme e, ao mesmo tempo, dando ao público uma resposta inteligente e razoável para suas dúvidas sobre o universo, o tempo e o espaço. Parece muito apropriado tomar emprestado o final da Divina Comédia de Dante, Paraíso: “Mas, ainda assim, a vontade continua a rolar, como uma roda em movimento regular, pelo amor impelido, que move o sol no céu e todas as estrelas. O amor gira a vontade, como uma roda em movimento regular, pelo amor impelido, que move o sol no céu e todas as estrelas. É o amor que faz girar o sol e as estrelas). A emoção é a maior fraqueza do homem e sua maior força Se o amor de Cooper por Murphy é grande e divino, então o amor próprio do Professor Mann por si mesmo também não deve ser menosprezado, pois ambos surgem de nossos próprios sentimentos, e os sentimentos são a maior fraqueza do homem e, ao mesmo tempo, sua maior força. O professor Mann (Matt Damon), … Ler mais

Free Guy: Quando os personagens de jogos se tornam IAs emocionais

9 de novembro de 2023 Por maria

Free Guy conta a história de Guy, um funcionário de banco que vive uma vida rotineira, se apaixona pela heroína Mimi e tem uma série de comportamentos anormais, o que o leva a descobrir que ele é apenas um NPC no mundo dos jogos virtuais. “No final, ele decide se salvar de uma crise no jogo e de uma crise na realidade. O Youcine é uma atraente plataforma de streaming de vídeo on-line que oferece aos espectadores uma ampla e diversificada gama de conteúdo de filmes e televisão. Não importa quais sejam suas preferências em termos de filmes, programas de TV, esportes, documentários ou programas infantis, o Youcine tem algo para você! Não é difícil entender como Free Guy conquistou tanto o boca a boca quanto a bilheteria. Por um lado, a exploração contínua dos ovos do filme por parte do público aumentou a bilheteria; por outro lado, isso se deve à integridade e à autocontenção da apresentação do espetáculo do filme, à escrita empática e que acalma a ansiedade, bem como à rara apresentação de uma visão de mundo e à expressão da consciência individual na narrativa de alto conceito. Free Guy:De protagonista a NPC Em uma época em que todos se concentram no protagonista, este filme se concentra no NPC. A estrutura narrativa de “Free Guy” ainda é “o pequeno homem da classe baixa que se transforma em herói”, nem mesmo “pequeno” o suficiente para ser considerado uma pessoa comum, apenas um NPC sem vida e sem vontade. O filme constrói dois tempos e espaços: o jogo Free City e a vida real. A crise na realidade precisa ser resolvida no mundo virtual, e as emoções do mundo virtual ganharão vida na realidade. A edição paralela das duas linhas conecta todos os eventos e emoções. O filme Free Guy adota o cenário clássico de conflitos internos e externos: conflito externo, ou seja, o conflito de interesses entre o capitalista de coração negro e o criador original do jogo; e conflito interno, ou seja, a contradição interna sobre a autenticidade da identidade e o valor da existência de uma pessoa depois que ela percebe que é um NPC. Embora a transformação da identidade de Guy proporcione um forte conflito dramático, o filme não se aprofunda no tema da perda de identidade. O público também tolera e aceita a situação incômoda e inofensiva de Guy. Ele não é o voyeur vivendo uma mentira no Truman’s World, nem precisa carregar o desejo de matar e fazer sexo em Westworld. guy também percebe sua própria reivindicação: evoluir a partir do código de programação e ganhar o direito de viver livremente. Para onde vão as pessoas e a IA a partir de agora? Free Guy é um filme com os conceitos emergentes de IA, jogos interativos e meta-universos, mas também com valores universais como amizade, amor e liberdade. Embora haja muitos elementos, eles são concentrados e condensados. Os temas aninhados de “o despertar da consciência pessoal” e “o conflito entre interesses e verdade, bondade e beleza” no filme têm uma cobertura considerável do público e das possibilidades narrativas. Esses temas aninhados têm considerável alcance de público e possibilidades narrativas. Eles não apenas atendem às expectativas do público em relação aos heróis, mas também confortam o tédio e a ansiedade das pessoas contemporâneas diante da realidade do filme. Alguns críticos argumentaram que o fato de Guy se apaixonar e desistir no final apresenta um paradoxo paradoxal e que o fato de a heroína não ficar com Guy é uma evasão e um recuo do assunto. Esses pontos de vista podem ter ignorado o fato de que Guy já se foi há muito tempo, desde o primeiro nível. Ser acionado pelo amor é o ponto de partida de seu despertar e não deve mais ser o ponto final do comportamento do personagem. Se ser injetado com o código do amor é completar a tarefa de ficar com a heroína pelo resto da vida dela, então Guy não é apenas outra forma de homem-ferramenta do cérebro do amor? Em outras palavras, se uma pessoa sabe que sua paixão é a sombra da projeção de outra pessoa, ela ainda estará determinada a realizar essa “vontade e amor de outra pessoa”? E se Guy souber o motivo de seu despertar, confessá-lo abertamente e sair dos limites de seu ambiente amoroso para a cidade mais ampla da liberdade, isso não é um despertar mais avançado e completo? É claro que essa é apenas uma leitura possível. Em termos de outro tipo de drama, Guy reconhece a fronteira entre o virtual e o real e completa a transferência do ponto de vista e dos personagens principais por meio de uma confissão que revela a verdade, e o final do filme substitui a questão de “como coexistir entre seres humanos e IA” pelo enredo conservador de “uma carta de amor de um programador”, que é suficientemente reconhecível pelo público em geral. O final do filme substitui a questão ética de “Como os seres humanos e as IAs podem viver juntos? Metaverso O que mais chama a atenção em Free Guy não é a IA ou o jogo, mas uma nova visão de mundo. Uma das falas de Free Guy é uma boa ilustração de como as pessoas imaginam o “metaverso”: “Você pode fazer qualquer coisa aqui, pode ir a qualquer lugar. Você pode esquiar do topo da pirâmide, pode escalar o Monte Everest com o Batman ……”. No futuro, não apenas os jogos, mas também as redes sociais, a educação, a vida, o trabalho e outros setores poderão ser incorporados a esse meta-universo de alta fidelidade do mundo real e imaginário por meio de VR/AR/XR. Com a explosão dos NFTs (Tokens Não Fungíveis), não há nenhum obstáculo para entrar nesse mundo em nível técnico, apenas aguardando a chegada da singularidade. Atualmente, os jogos são uma das faixas mais capitalizadas do meta-universo. Os jogos precisam fornecer conteúdo de alta qualidade para aumentar a atração do usuário, especialmente os jogos de RPG … Ler mais

Duna: vagando além do vidro

7 de novembro de 2023 Por maria

Que as areias douradas varram o planeta, que as dunas que parecem estar respirando revelem a natureza selvagem e a fé simples; que as especiarias encham as narinas, dêem nome à matança, ao destino, à coroa do herói. Duna é um filme que se limita a um invólucro clássico, mas com um olhar voltado para a desconstrução e a subversão. Na forma de uma narrativa da vingança de um príncipe que soa como Shakespeare, ele elimina a vingança homoerótica e discute a hipocrisia do herói, a futilidade da fé e as chamas selvagens que ardem profundamente no invólucro humano e até mesmo na alma. O Youcine é uma plataforma de streaming que redefine a experiência de assistir a filmes, oferecendo opções mais interativas, sociais e personalizadas para os amantes do cinema. Seja você um novato ou um fã experiente, o Youcine será um companheiro indispensável para levá-lo ao incrível mundo do cinema. Como uma das melhores obras de ficção científica do século XX, o Duna original é um império extenso e volumoso de texto, e a terceira produção cinematográfica e televisiva de Duna, dirigida por Denis Villeneuve, avança apenas um décimo do texto original, mas possui um tom distinto, com uma combinação única de o amarrado e o nu, e o amarrado e o nu. Por meio da unidade paradoxal do “amarrado” e do “nu”, ele completa a autoexecução da lógica. Não se trata apenas de um poema épico, mas também levanta a questão de os seres humanos tocarem as próprias barreiras e explorarem o caminho futuro depois de se depararem com elas e lutarem contra elas na vidraria. Desintegração e criação – A quebra e a criação do herói Duna foi resumido como uma pintura ou um épico por vários artigos críticos, atribuídos à sua magnífica composição de imagens, longas passagens de paisagens aéreas e tom emocional distinto. O espectador pode perceber diretamente as contradições da paisagem: o deserto brilhante e apaixonante e a tundra fria e úmida mostram a estagnação do calor e do frio, a lei misteriosa e selvagem da sobrevivência no deserto e a luta política feudal solene e solene destacam a extrema arbitrariedade e a extrema opressão. Esse é um tipo de nudez e escravidão ocultas, aludindo ao fato de que se trata de uma disputa decorrente da ruptura e do estabelecimento, da ruptura e da reconstrução do delicado equilíbrio da Aliança Interestelar e da metamorfose de romper o gargalo e avançar em direção a uma nova ordem depois que a antiga ordem chegou ao auge do desenvolvimento. Dez mil anos após o cenário, as ciências sociais estão altamente desenvolvidas e lutando para avançar, e a sociedade extremamente orientada para o lucro não está disposta a arcar com o alto custo de uma transformação suave. Para romper a barreira da estagnação o mais rápido possível, é preciso uma ditadura e uma mão de ferro, assim como a fissão e o desencadeamento de uma explosão nuclear. Trata-se de uma varredura maciça, o que significa derramamento de sangue, o que significa um trauma coletivo que não pode ser sustentado. As coletividades são formadas pelo vínculo dos indivíduos, e o sacrifício de um grande número de indivíduos sem motivo seria como amputar um membro, o que colocaria tudo em suspenso, então os governantes de Duna optaram pelo caminho mais fácil e criaram um herói – e esse herói é o personagem principal, Paul Eldredi. O diretor da lógica rasa se espalhou diante da plateia: Paul é a história de um enorme relacionamento entre o ponto central, o enredo montado e desdobrado para enriquecer os elementos de seu corpo: príncipe oprimido, ombros a glória da decadência da família e os inimigos do mundo da perseguição; destino escolhido, durante todo o caminho difícil e perigoso, há sempre um nobre para ajudar. Com pontos de crescimento claros e uma alta inclinação para cima, esse é um processo clássico e perfeito de apoteose, mas é extremamente esculpido: para reforçar a mentalidade do público, todos os Fremen do filme precisam chamar Paul de Lisson Al Ghaziab (a voz dos céus) na primeira vez que o encontram, o que é mais uma espécie de hipnose do que um elogio, mas quando a hipnose se torna arraigada, ela se torna uma espécie de convocação. Paul é claramente um herói artificial, e essa é, de longe, a linha emocional mais óbvia que Duna exibe em seu herói, proclamando descaradamente que o herói é uma pseudoproposição sem uma definição clara. Ele é convocado para se tornar um herói em um processo de hipnose e auto-hipnose em massa e, no momento em que se torna um herói, anuncia sua desintegração. Esse paradoxo com a compaixão é a estética única de Duna, uma espécie de totem da alma que atravessa a narrativa. Um herói pode ser como uma cólera, mas só podemos beber a cicuta – no torpor e na rigidez da opressão, precisamos mudar de personagem, precisamos dele. Na visão de mundo de Duna, talvez apenas os heróis destruídos não tenham perdido seu significado. Quando tudo começou, o Duque Leto reuniu suas legiões para deixar seu planeta natal, os fiordes e a tundra tão profundos quanto suas testas, para aproveitar o poder do deserto. Nessa despedida, que era quase eterna, todos os sargentos ergueram suas gargantas e gritaram “Ertredi”, e como o pathos de uma elegia de longa duração, invocando a glória que estava para passar, ressoou na Duna e não travessia – a presença e a ausência da fé Duna” tem um temperamento suave de ficção científica, e a estrutura da visão de mundo tem uma forte tendência retrô com uma forte preocupação humanista. Por exemplo, o palácio de pedra da era da Guerra Fria parece um vasto mausoléu sob a perspectiva de uma máquina voadora; outro exemplo é a forma política feudal e hereditária, em que é fácil ver as cicatrizes escuras deixadas pela suspeita mútua e pelas brigas na onda da globalização e da antiglobalização; e outro exemplo é a misteriosa organização das Irmãs … Ler mais

Pedro Coelho: Aprendendo a compartilhar o amor com este mundo

6 de novembro de 2023 Por maria

Por que Pedro Coelho usa uma jaqueta jeans? Não é inteiramente verdade que o pelo cinza de Peter Rabbit seja mais adequado ao índigo do ponto de vista estético, mas Pedro Coelho nasceu como um pintor britânico, mas quando se trata de cowboys, é uma verdadeira exportação da cultura americana, os primeiros imigrantes para os Estados Unidos continentais em 1849 durante a Corrida do Ouro, quando os primeiros imigrantes, que poderiam ser descritos como sem dinheiro, foram forçados a trabalhar duro. Quer assistir a Pedro Coelho, mas não consegue encontrar os recursos? Não precisa se preocupar! Basta baixar o apk do Youcine e desfrutar de uma ampla variedade de filmes. O Youcine tem uma equipe profissional e atualiza novos filmes todos os dias. Temos o compromisso de oferecer a melhor experiência de visualização para nossos espectadores. O trabalho intenso tornou as roupas extremamente vulneráveis ao desgaste, especialmente em 1849, quando os mineiros invadiram a Califórnia no que ficou conhecido como a Corrida do Ouro. Como as roupas se desgastavam com tanta facilidade, havia uma necessidade desesperada de uma peça durável. Nesse cenário, nasceu o jeans sólido e durável. (Levi Strauss foi o inventor dos tecidos de brim na época. De acordo com a identidade da fazenda, as roupas de brim de Pedro Coelho são o destaque do filme. Mais tarde, falaremos mais sobre o espantalho de caubói na fazenda. Ação ao vivo e tecnologia CGI Pedro Coelho, da Sony Animation, usa tecnologia live-action + CGI, com a parte de CG sendo feita pelo Animal Logic Studios, que trabalhou em filmes excelentes como The Lego World e Capitão América 3. A equipe usou bonecos de coelho para se posicionar durante determinadas cenas, indicando a direção em que o CGI seria adicionado posteriormente, e os atores confiaram em sua imaginação para brincar com esses bonecos. Os muitos animais pequenos do campo, sejam eles coelhos, leitões, raposas, ouriços etc., são todos perfeitos em todos os detalhes de seus olhos, expressões e peles, o que mais uma vez faz as pessoas se perguntarem sobre a civilização industrializada da indústria cinematográfica de Hollywood. Os dubladores são o destaque dos destaques! Acabamos de mencionar o famoso comediante britânico James Corden como a voz de Peter Rabbit. Na verdade, as irmãs trigêmeas de Peter Rabbit são ainda mais importantes, pois a “garota palhaço” Margot Robbie, Elizabeth Debicki e “Rae” Daisy Ridley farão a voz das três irmãs, Flopsy, Mopsy e Cotton Tail Bunny, respectivamente. Essas três atrizes aclamadas mundialmente “emprestarão suas vozes” às três adoráveis coelhinhas, o que é uma bênção para os fãs das celebridades. Além disso, para atrair mais bilheteria chinesa, Pedro Coelho também é dublado em mandarim, o que é uma boa maneira de cuidar do público mais jovem e preparar o filme para a diversão da família. A trilha sonora do filme apresenta muitos elementos de música country americana, hip-hop e dança de rua. Como todos sabemos, as características e os gêneros da música americana incluem hiphop+rap (hip-hop rap), pop (pop de vanguarda), rock& roll (rock and roll), música country americana (música country), música latina (música latina), disco jockey (remixes eletrônicos de DJs são classificados como hip-hop) e assim por diante. Música country americana, música latina, Disco jockey (remixes eletrônicos de DJs e dance music no hip hop) e outros elementos diversificados da música nativa americana, bem como música híbrida europeia e americana. Nessa animação americana de ação ao vivo “Pedro Coelho”, que é repleta de elementos britânicos, há muita música local americana, especialmente quando os animais fazem uma festa em família. É possível sentir as características da música americana e a atitude deles em relação à vida na trilha sonora do filme. O glamour de um IP britânico centenário Embora o público chinês não esteja relativamente familiarizado com o Peter Rabbit de camisa de brim, trata-se de um IP centenário. Já em 1902, a escritora e ilustradora britânica Helen Beatrix Potter disponibilizou as ilustrações de Peter Rabbit para o público. Desde então, “The Tale of Peter Rabbit” (A história de Peter Rabbit) publicou cinco livros infantis relacionados a Peter Rabbit, o que mostra que o sucesso do livro naqueles anos não foi menor do que o da série contemporânea “Harry Potter”. De fato, em 1893, a autora e ilustradora britânica Beatrix Potter criou o Bugs Bunny, uma série que vendeu 150 milhões de cópias em todo o mundo. Um fato pouco conhecido é que a autora esperava muito que os animais pudessem participar de uma festa familiar maluca, mas sem censura, e agora esse desejo pode finalmente ser realizado na tela grande. O diretor Will Guller revelou: “O Coelho é um nome familiar no Reino Unido, meus pais o trouxeram para minha vida quando eu era criança e agora ele é a leitura de cabeceira dos meus filhos. É uma grande honra dirigir esse filme e levar esse clássico secular para pessoas de todo o mundo.” Como um tributo ao autor original, o filme insere várias de suas pinturas Na adaptação em live-action, Rose Byrne interpreta uma pintora idílica, não muito diferente do autor original de Pedro Coelho, e as pinturas são frequentemente inseridas no enredo do filme quando Peter Rabbit decora sua casa ou se lembra de sua família. Acredita-se que as pinturas bidimensionais sejam uma homenagem à autora de The Tale of Peter Rabbit, Trix Potter, e com o lançamento do filme em 2018, o clássico IP está comemorando seu 125º aniversário. A versão mais antiga de Pedro Coelho, o conto de Beatrix Potter sobre um menino de cinco anos cuja governanta está acamada, apresenta uma história em que Beedle Bunny desobedece a sua mãe e entra na horta do Sr. McGregor em uma tentativa desesperada de roubar vegetais. Quando é descoberto, ele foge, perdendo seu casaco azul e seus sapatos. No final, McGregor faz um espantalho com a jaqueta e os sapatos deixados pelo coelho e o coloca na horta. Em homenagem ao original, o filme live-action recria essa cena, em que um espantalho feito com a jaqueta … Ler mais